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Para obtener una presentación como esta, has de darte de alta en calameo, subir una presentación en Powerpoint o Impress. Puedes asociarle sonido enlazándolo: puedes obtener una dirección así en Dilandau, por ejemplo.
Tanto en el cine como en el teatro hay que señalar dos tipos de lugares al margen de lo que ve el espectador: los espacios latentes son aquellos a los que van y de donde vienen los personajes, pero no se representan; los espacios narrados son los referidos por los personajes, pero tampoco presentados a los ojos del espectador. Ambos pueden asomarse mediante sonidos, multiplicando su poder sugerente: en Tesis, de Alejandro Amenábar, una estudiante se dispone a ver un vídeo en el que aparecen muertes y torturas reales, cuando pulsa play se da cuenta de que no puede visionar la escena y quita el contraste al televisor hasta dejar la pantalla negra; sólo se escuchan los terribles gritos de la cinta: Amenábar sabe que a veces es más terrorífico imaginar que ver.
En muchas películas, el espacio transmite mucho acerca de los personajes y de su estado de ánimo: en la escena final de Rec intuimos por el espacio que alguien inquietante lo habita, al tiempo que incrementa el pánico de la protagonista.
Los guiones suelen tener un planteamiento, donde se presentan los personajes, el tema de la historia, dónde y cuándo ocurre; luego pasa a un nudo, donde se desarrolla la historia; y, por último, un desenlace, en el que se cuenta el final.
No obstante, hay veces que se pueden dar saltos hacia atrás en el tiempo para aclarar algo del pasado, mostrar un recuerdo,... , como en esta escena de Kill Bill
También pueden darse saltos hacia delante –flashforwards-, como en Destino Final 3 , donde una chica visualiza anticipadamente un accidente en una montaña rusa.
Por último, las historias pueden iniciarse, no ya al principio de la historia, sino a mitad de ésta: por ejemplo, en una película de misterio, la trama se inicia con un hombre asesinado, a continuación se hace un flashback para reconstruir los hechos. A eso se le llama inicio in media res. Los finales, por su parte, pueden ser abiertos, si se quiere dejar con la intriga o que el espectador se lo imagine.
El personaje puede ser individual o colectivo -es decir, cuando la historia se centra en alguno de ellos en algunas partes y, en otras, pasa a ser protagonista otro de ellos. Los personajes que no son protagonistas se llaman actores secundarios. A veces, los secundarios se dividen en ayudantes, si apoyan al protagonista a conseguir su meta, y oponentes, si le impiden que la consiga.
Por otra parte, es bueno que cada uno de ellos tenga una personalidad propia: rasgos de carácter, físicos, más serios, más graciosos,...Todo lo que no sean palabras -elementos no verbales- pueden comunicar, de manera intencionada, tanto como las palabras. La expresión corporal –los gestos y movimientos de los personajes-, el maquillaje, el peinado, la indumentaria, los objetos, el decorado, la iluminación, la música y los sonidos no musicales han de ser muy cuidados si queremos que también digan algo de la situación y de los personajes.
Por ejemplo, en El truco del manco, el Langui es el protagonista minusválido, sus amigos, los ayudantes, y el mafioso que le presta el dinero para montar su sueño (un estudio de grabación) es el oponente.
En este corto, la pinta de aburrido, los tonos fríos o el sonido monótono de la fotocopiadora nos ayudan a imaginarnos a un tipo gris.
Como en fotografía, en el encuadre interviene un elemento muy importante: el punto de vista, es decir, el lugar desde el que se observa la acción. La elección de uno u otro produce elementos expresivos diferentes.
Horizontal: La acción se desarrolla a la altura de los ojos. Es el más usado. (Fotografía de Bipin Chandra)
Cenital: Se sitúa exactamente encima y perpendicular al objeto o personaje. (Fotografía de Ralph Gibson)
De gusano: Es el opuesto al anterior. (Fotografía de Arno R. Minkkinen)
Picado: La escena se ve desde arriba con un cierto ángulo. Da sensación de pequeñez. (Fotografía de Alberto García-Álix)
Contrapicado: es lo contrario del anterior: la escena se ve desde el suelo con un cierto ángulo también. Da sensación de grandiosidad. (Fotografía de Alexander Rodchenko)
El encuadre, o plano, es el espacio que delimita lo que se va a ver. Representa un estado o una acción de una figura humana, otro ser animado u otro motivo:
Plano detalle: Acercamiento extremo a un detalle aislado, para que el espectador se fije en él. (Fotografía de David Jiménez)
Primer plano: Acercamiento grande, de manera que la cabeza completa ocupa toda la pantalla.
Plano medio: el plano anterior se agranda hasta tomar todo el pecho. (Fotografía de Desiree Dolron)
Plano americano: capta tres cuartas partes del cuerpo, hasta las rodillas. Suele usarse para los diálogos, igual que los tres planos medios anteriores. (Fotografía de Mariano Vargas)
Plano entero y de conjunto: Estos planos sirven para que un personaje sea tomado de cuerpo entero o para que confluya más de un personaje, de manera que sitúa a uno o a un grupo de personajes en un determinado marco. (Fotografía de Jürgen Tillmans)
Plano general: la persona o motivo ocupa de tres cuartos a un tercio de la altura de la pantalla. La figura humana aparece dentro del encuadre como un elemento más, sin especial relevancia: comenta cómo es el ambiente en el que se desenvuelve el personaje. (Fotografía de Nazaré Soares)
Gran plano general: también llamado plano generalísimo. Es una toma extralarga, de manera que lo captado queda lejos. Tiene un sentido descriptivo o de situación geográfica. (Fotografía de Axel Hütte)
